By RAUL D’GAMA ROSE



Oscar Feldman is ready, with Oscar e Familia, to put his own stamp on the alto saxophone. Not since the fire of Jackie McLean, the cool breeze of Lee Konitz, Eric Dolphy‘s rhythmic advances, Ornette Coleman‘s Harmolodic theories, and Steve Coleman‘s mBase concepts, has someone attempted to create a new language for that instrument. True,Charlie Parker presided over the advent of the most enduring revolution in music: bebop. Now, however, Feldman has, as an alto saxophonist, made a dramatic advance in the language and is enabling a new literature that will, in time, stand parallel with mBase and Harmolodic music. So, what has Feldman really done?

Firstly, he is steeped in the Afro-Caribbean tradition that is buzzing all over South America as it collides with the jazz idiom. Secondly, his grasp of classic and modern European music and dance traditions is complete. Finally, he is well-versed in the history of jazz and without being pedantic. He can swing and samba, meld Afro-Caribbean clave with 3/2 Cuban clave, gracefully sliding from one to the other, building a whole new library of music in the bargain. Then, there is the small matter of his voice: Feldman is a master of the intricacies of tone and color, and an array of inventive rhythmic patterns. He is also a fine writer. He writes for sound: as with tenor saxophonistMark Turner’s dry, harmonically erudite runs on “So Tenderlee,” a celebration of the towering contributions of Lee Konitz.

Feldman switches to a suave modal counterpoint as he preps Xavier Perez to play tenor across his own breathless alto in Hermeto Pascoal’s masterpiece, “Oscar e Familia,” specially composed for this record. Feldman’s broad, elegant vibrato recalls Sidney Bechet in the soprano introduction to the piece playing opposite bassist, Pablo Aslan,, who makes his entry with con arco and sagacity.

Throughout the record, Oscar Feldman can be heard probing the wall of sound he aims to build with muscular authority, steeped in the adrenaline that floods his various emotions. He matches the elemental longing in “New Tango,” playing ahead with great feeling, and like a whirlwind bow across the Cuartetango String Quartet, so masterfully arranged by Carlos Franzetti on “Coco da Bahia” and “New Tango.” Feldman’s “Coco da Bahia” is a beautiful samba written for his father, while “New Tango” is an exquisitely crafted standard that does the tango tradition proud.

Feldman is wildly intrepid in interpretation on Astor Piazzolla’s “Triunfal,” while playing labyrinthine lines around percussionist Saturnino’s cajon on Guillermo Klein’s “El Minotauro,” in the style of a Peruvian lando. Feldman plays Wayne Shorter‘s “Children of the Night,” with singularly individual authority, in another challenging rhythmic extravaganza. “Peace to Find” heralds a return to calmness, working in funky counterpoint to the beginning of the record.

It has been a decade since Feldman’s first record. The result is a proverbially important document by a musician of considerable repute.

Track Listing: Mrs. Tangoholic; The Improvisers; So Tenderlee; Oscar e Familia; Coco da Bahia; New Tango; Triunfal; El Minotauro; Children of the Night; Peace to Find.

Personnel: Oscar Feldman: alto saxophone, soprano saxophone (4); Manuel Valera: piano, Fender Rhodes (1, 2, 4); Didi Gutman: keyboard and sampled sounds (1); John Benitez: electric bass (1, 2, 4), acoustic bass (3, 5, 6, 9); Pablo Aslan: acoustic bass (4, 7, 8, 10); Antonio Sanchez: drums; Pernell Saturnino: percussion; Diego Urcola: trumpet (1), trombone (2); Mark Turner: tenor saxophone (3); Xavier Perez: tenor saxophone, baritone saxophone (4); Tito Castro: bandoneon (7); Carlos Franzetti: Cuartetango String Quartet arrangements (4, 5); Leonardo Suarez Paz: violin (4, 5); Nicholas Danielson: violin (4, 5); Ron Lawrence: viola (4, 5); Daniel Miller: cello (4, 5); Luis Alberto Spinetta: voice (10).

Fue una gran revelación del jazz argentino de esta década. Ahora, ya madura, sacó un notable disco en trío.
El album incluye un homenaje al pianista estadounidense Andrew Hill. “Me intereso especialmente el tratamiento que Hill hace de la formacion de trio”, dice la pianista, Premio “Clarin”.

Hace ya cuatro años que la pianista Paula Shocrón editó La Voz Que Te LLeva, su primer disco. El trabajo causó sorpresa no sólo porque se trataba de un tan entusiasta como rico homenaje a Thelonious Monk hecho por una veinteañera sino también porque se trataba de un disco de piano solo, un bautismo discográfico poco habitual en el jazz.

Por estos días Sony acaba de editarHomenaje, el cuarto disco de Paula Shocrón y el segundo del trío -el anterior fueUrbes– que integra junto con el baterista Carto Brandán y el contrabajista Jerónimo Carmona. Como en su debut, Shocrón expone más datos sobre su genealogía musical con una abierta dedicatoria al pianista estadounidenseAndrew Hill.

El disco será presentado en Thelonious, esta noche y el 11 y dentro del ciclo de música en el hall del Teatro San Martín, el 17 y el 18.

“Suelo enamorarme de distintas músicas a las que por períodos no puedo dejar de escuchar -cuenta Shocrón-. No se trata de un interés estrictamente musical o de una afinidad intelectual con un músico sino más bien de un asunto de energía, de una empatía que seguramente provenga de algún rasgo particular de un estilo. Es algo que me sucede con los más diversos músicos. Tal vez esas afinidades tengan algún fondo común”.

¿Cuándo empezó la empatía con la música de Andrew Hill?

En 2001, cuando escuché su disco Black Fire. De allí en más me fui llevando por algunos temas en trío. Me interesó especialmente el tratamiento que él hace de la formación de trío. Después vino el interés por sus formaciones más grandes. Y ahora que doy ensamble en el conservatorio estoy estudiando con más detalles sus composiciones para esas agrupaciones.

¿Qué hacía singular su tratamiento de la formación de trío?

Su modo de abordar la improvisación. No es que abandonar la idea del solo sino que en su música desaparecen los primerísimos planos. En sus tríos la improvisación circula dentro de una gran interacción. Esa es la idea que me interesaba rescatar de su música, más allá del claro homenaje que apuntan los dos temas de su autoría que interpretamos.

Consolidaste un trío que lleva tu nombre, una idea a la que parecías reacia. ¿Te resulta difícil ese liderazgo?

En esta música el liderazgo termina con el nombre de la agrupación. Que se llame Paula Shocrón Trío no me hace trabajar más que a Carto o a Jerónimo. Aquí todo es trabajo en conjunto. En las formaciones más grandes la dirección se impone y seguramente en una big band se vuelva imprescindible. Pero en el caso del trío, y de éste en particular, hay siempre propuestas y contrapropuestas. Discutimos y tocamos. Gran parte del asunto es tocar y ver cómo se van dando las cosas.



Por Marcos Maggi

Horacio Larumbe tocaba abriendo cajoncitos de los que sacaba sonidos que se parecían a nada. Su música -cortada, intervenida- es una presentación constante de novedades, un proyecto alimentándose de proyectos. Si este disco fuera una ciudad, estaría llena de pasajes con olor a tabaco, a madera, a pan, a ropa de bohemio recién planchada. Nunca caminaríamos lo suficiente para terminar de conocerlos. Si volviéramos la cabeza, el tramo recorrido ya no sería el mismo. Quizá ni existiría. 

Como en la escritura automática de los surrealistas, y siguiendo un esquema laberíntico, la fuerza de este directo radica no tanto en la exploración como en la rebelión contra lo compuesto, contra toda estructura: improvisación que invade las melodías y que es cita y enriquecimiento magistrales. Este álbum póstumo, que Larumbe no quiso grabar y cuando lo escuchó se negó a editar -él prefería la vitalidad de la experiencia directa- es el registro de una noche (11 de octubre de 2002) en el teatro Centro Cultural Parque de España, de Rosario. Tiene una grandeza que se erige en filosofía musical: las composiciones son llevadas y no al revés; la historia de los standards, con sus infinitas versiones, o los ritmos populares, no encierran al pianista y lo conducen. Larumbe va por delante de la música; la doma con una frescura que no recuerda a nadie. Moon River no hace pensar tanto en Moon River. How High the Moon resplandece de antónimos y La Puñalada fue vestida de candombe. 

Larumbe reinventaba siempre, metiendo las manos hasta el fondo de lo ya escuchado para curar a la música de sus repeticiones; tocada por él, una melodía sentía ganas de cambiarse el nombre. La ceguera hay que invocarla. Pero aparte de la famosa réplica (no le gustaba que lo llamaran “No vidente”, porque -explicaba- “A un pobre no le dicen ‘No rico’”) ya es algo anecdótico. Aquí importa la otra noche, aquella de Rosario. Para los que estuvieron, fue mágica. A tanta música periférica, el adjetivo le queda chico. Qué bueno que hayan rescatado el disco porque ahora, en esa noche de Rosario, podemos estar todos.

El autor de los clásicos temas “Mirta, de regreso” y “Dios y el diablo en el taller”, Adrián Abonizio, llegará este domingo a Santa Fe para presentar “Extraño conocido”, su última placa. Será a las 21.30, en Morrison bar -25 de mayo 3428-, y como parte del ciclo “En versos y trovas”.

Este escritor, poeta y músico, trabajó como periodista en Página 12 y La Capital, publicó libros, editó cuatro discos propios, hizo música para cine (“Caballos Salvajes”) y es considerado un compositor fundamental del rock nacional, uno de los pilares de la “trova rosarina”. Sus temas suenan en boca de artistas de la talla de Joaquín Sabina, Juan Carlos Baglietto y Amelita Baltar.

Con el nombre “Extraño conocido”, Adrián editó un disco en el 2006, que reúne por primera vez sus grandes éxitos, en un formato acústico. Un disco que se suma a “Abonizio” (1984); “Los años felices” (1990) y “Todo es humo”(2000).

Las entradas para el recital podrán adquirirse en la puerta.

By PHIL DIPIETRO

Boston takes pride in it’s stature as one of those old Yankee towns where it’s tough to establish a foothold—a place where it takes three generations to break into an old neighborhood. While it’s brimming with young jazz talent, the majority make the most of the locally rigorous musical pedagogy before making haste for New York. Rarely do young players gig in its clubs with the small established cadre of its recognized recording veterans, like George Garzone, Hal Crook or Joe Hunt. At 29, the Argentinean and current Bostonian Leo Genovese is a first-call pianist to them all, but he’s also the go-to guy for to the explosive starlet Esperanza Spalding and Cuban drum phenom Francisco Mela. While the resume may indicate Genovese’s an old musical soul in a young body, this recording provides proof-positive.

He’s accompanied here by a lesser-known and younger bassist with similar old-soul cred, Justin Purtill, who has recorded with Rakalam Bob Moses and Tisziji Munoz. Hunt, who has drummed for such ivory icons as Bill Evans, Steve Kuhn, Don Friedman and Barry Harris, makes no qualms about throwing in his lot with Genovese.

There’s nothing old school about Genovese’s approach. In fact, on macro and micro levels he actively resists conformity. Conceptually, he refuses tying himself to any stylistic tree, and his playing often defies resolution for the entirety of even the ripest standard chestnuts. This makes his embrace by Boston’s vanguard all the more remarkable but somehow, he always fits without having to fit in.

One of the reasons for this is that he’s a flat out fantastic player. Just cue up “Mega Tsunami,” a tidal-wave compendium of approaches and technique from avant to classical that cross-hybridizes the inside chops quotient of a Gonzalo Rubalcaba with the out pointillism of a Cecil Taylor before throttling to pastoral lyricism. This spontaneously composed tour-de-force is the recommended first stop.

Another reason is his all-encompassing knowledge of and fervor for modern styles, including the jam-inflected, envelope filter-enhanced loopiness of “Do you Want Some Mints?” as Hunt pounds the skins in a manner no man of half his age should. Genovese abets the freak-out burn by taking his sole turn on a wood flute with a sax-like bell that produces a Dolphy-esque wail while covering the range of his former arsenal, from bass clarinet to flute.

Genovese spends more time inside the piano than out of it for the exhilarating fun of the “March of the Musical Robots” and pulls on the heartstrings while simultaneously adding sonic guideposts to the journey of “Signs of Transcendence.”

The title tune is a teetering house of cards, embellished randomly, then prodded to the tipping point before being allowed to recover. Purtill’s patience and Hunt’s elasticity resuscitate each measure, while Genovese sounds all too willing to release them into the wild. It’s precisely here, and many other revelatory points during the course of Unlocked, where rewards are revealed as this trio collectively finds, then joyously throws away, the key.

Track Listing: Unlocked; Do You Want Some Mints?; Keep It Loose; Dance; Mega Tsunami; March of the Musical Robots; Signs of Transcendence; Animal Religions; We Are Always at the Beginning; Hunting.

Personnel: Leo Genovese: piano, sonics, wood flute; Justin Purtill: bass; Joe Hunt: drums.

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Por José L. Cavazza

 

“Es casi inusual que recién en mi tercer disco salga a tocar con un formato de trío, que es la forma más convencional y básica en el jazz”, dijo la pianista rosarina Paula Shocron sobre su nuevo álbum, “Urbes”, que presentará hoy a las 21.30 en el teatro La Comedia, en el marco del Festival de Jazz.

   En este CD de ocho tracks, Shocron abandonó a su “segundo papá” Thelonious Monk y compuso seis temas. Los dos restantes pertenecen a los pianistas Billy Strayhorn y George Shearing. “Lo más natural hubiera sido una formación de jazz trío en mi primer álbum, porque creo que lo inusual fue hacer un disco de sólo piano (“La voz que te lleva”) en mi debut discográfico”.

   “El disco se armó así porque veniamos tocando juntos desde hace un buen tiempo y casi siempre un álbum —dijo— es el resultante del trabajo en vivo. Así, también el proyecto con Marcelo Gutfraind derivó en mi segundo disco, «Percepciones»”. Además, esta es la primer formación en la que Shocrón es líder absoluta. “En el proyecto con Gutfgraind éramos dos líderes y en el disco de sólo piano estaba a cargo de mí misma”, bromeó. El liderazgo para Paula Shocron tiene que ver con la responsabilidad y la producción musical, sobre todo porque los temas en su gran mayoría son propios. “Después somos un trío y decidimos en algún punto los tres”, añadió.

   Para Shocron, “Urbes” es un disco con temas muy diferentes entre sí. “El tema «Urbes» me sugirió además el nombre del álbum y tiene que ver un poco con la diversidad de las grandes ciudades”, señaló.

   La pianista y gran esperanza del jazz argentino hace un par de años hizo las valijas y se fue a vivir a Buenos Aires. “Ganás y perdés cosas todo el tiempo. Es una forma de equilibrio, y espero que lo que pierda sirva para ganar algo después”, comentó y finalmente dijo: “Los tiempos en la música son más largos; estoy aquí en Buenos Aires poniendo toda la energía en tocar. Necesito de mucho más tiempo para evaluarme, preguntarme si estoy consolidada. No tengo 30 años y estoy en una edad sólo para tocar”.

El sábado 13 de octubre a las 18:00 hs. en la Sala “Astor Piazzolla” del Teatro Argentino de La Plata, dependiente del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires, actuará el notable dúo de pianos constituido por Gerardo Gandini y Ernesto Jodos.

Las entradas serán gratuitas y deberán ser retiradas de la Oficina de Informes del Teatro, el mismo día de la función, a partir de las 10:00 hs.

En el marco del Ciclo de Música del Siglo XX, Gerardo Gandini –compositor de formación clásica, último pianista de Astor Piazzolla y ganador del Grammy Latino 2004 por su disco de tangos- y Ernesto Jodos –uno de los músicos de jazz más sobresalientes del momento- ejecutarán a dos pianos “Sobre nada” (Gandini-Jodos), “Lunario sentimental” (Gandini), “Malena” (Demare-Mazi), “G.G.” (Jodos), “Caravan” (Ellington-Tizol), “La cumparsita” (Contursi-Rodríguez), “La nostalgia” (Gandini), “Visa-Loverman” (Charlie Parker) y “I love you Porgy” (Gershwin). Además, Gandini interpretará solo “La última curda” (Troilo-Castillo) y Jodos. hará lo mismo con “Ella también” (Spinetta).

En ocasión de la reciente presentación de su disco “De/generaciones”, hecho a dos pianos por Gerardo Gandini y Ernesto Jodos, la crítica especializada destacó que se trataba de un álbum fascinante, donde ambos instrumentistas lograban sobresalir en el arte de la improvisación y de la interacción para tocar desde standards de jazz y tangos hasta temas propios y contemporáneos.

Por otro lado, Gandini y Jodosacaban de ser invitados a participar del prestigioso Festival Internacional Jazz Plaza 2008, que se realizará en La Habana (Cuba), del 14 al 17 de febrero próximo.

El dúo presentó el CD en distintos teatros del país como ND Ateneo de Buenos Aires, Teatro Libertador de Córdoba, Centro Cultural Parque de España de Rosario, Teatro Municipal de Santa Fe, Complejo Cultural de Río Gallegos y Teatro Municipal de Río Cuarto.

El disco “De/generaciones” fue muy elogiado por los especialistas. Federico Monjeau, del diario Clarín, dijo que era de “una belleza extraña y persistente”. Pablo Gianera, en Perfil, lo definió como “apasionante de punta a punta”. Para Santiago Giordano, de La Voz del Interior, “lo notable de este trabajo es que cada uno mantiene su individualidad”. Según César Pradines, de La Nación, “En Loverman (uno de los temas incluido en el disco), el dúo alcanza momentos de un ensamble intenso”. Para Buenos Aires Herald, en tanto, estos “dos brillantes pianistas de dos generaciones diferentes han logrado un disco altamente recomendable”. Mientras que para el periodista Eliseo Cardona, del diario El Sentinel de Miami, “no es un simple disco: es un lujo, la auténtica fundación de un canon del jazz al sur”.